Down by Earth

Crítica ★★★★ de Song to Song (Terrence Malick, Estados Unidos, 2017).

Estados Unidos, 2017. Título original: Song to Song. Director: Terrence Malick. Guion: Terrence Malick. Duración: 129 minutos. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Música: Varios Artistas. Productora: FilmNation Entertainment / Buckeye Pictures. Edición: Rehman Nizar Ali, Hank Corwin y Keith Fraase. Diseño de vestuario: Jacqueline West. Diseño de producción: Jack Fisk. Intérpretes: Michael Fassbender, Ryan Gosling, Rooney Mara, Natalie Portman, Cate Blanchett, Christian Bale, Haley Bennett, Val Kilmer, Benicio Del Toro, Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Clifton Collins Jr., Angela Bettis, Bérénice Marlohe, Florence Welch, Holly Hunter, Iggy Pop, Flea, Lykke Li, Patti Smith, Austin Amelio. Presentación oficial: Festival de cine South by Southwest, 2017.

Walther von der Vogelweide, en uno de sus largos Tagelied, se recreaba mostrando una visión idealizada del amor, un amor puro y reconfortante que se desvanecía con la llegada del día. El minnesänger austríaco pretendió que ese momento, en el que se rompe la magia romántica, fuera asignado a la parte onírica de su composición, para redimir, ya en la última estrofa, el sentimiento de pérdida en favor de un desenlace optimista. Samuel Beckett retomaría la idea del poeta medieval en su “Da Tagte Es” y, en sólo cuatro versos, daría la vuelta al sentido de su mensaje, optando por subrayar la parte del desencanto, la conmoción dolorosa que suponía tener la noción, por unos segundos, de haberlo perdido todo, de ver cómo la esencia de nuestra vida se evapora con la llegada de un día inmisericorde. Eso es precisamente lo que hace Terrence Malick en su nueva película, Song to Song, en la que aísla una parte decepcionante y onírica de una obra escrita mucho más extensa: la propia vida, y se recrea en la percepción introspectiva y en la asimilación de ese dolor. Los personajes construidos por el director estadounidense se debaten en una lucha constante entre el sufrimiento interior y el fingimiento exterior. Habitan en ese mundo de devaneos que construye y da sentido a lo que conocemos como la experiencia ontológica. En líneas generales, el cine ontológico no presta tanta atención a las acciones e interacciones de los protagonistas como a su estado de ánimo o a su capacidad de canalizar el torrente de sentimientos cruzados que desestabilizan su existencia. Malick trata de conectar al espectador con su ficción por medio de la conmoción; hacer que surjan en él las reacciones de asombro, rechazo, afinidad o exasperación que los personajes son incapaces de evidenciar. Para ello, el filme planteará una serie de preguntas inconclusas cuya intención nunca será ilustrarnos respecto a una fórmula exacta que nos capacite para afrontar la vida con éxito y felicidad, sino hacernos meditar al respecto de ciertas acciones sobre las que, por norma general, no nos detenemos a reflexionar.

Así, del mismo modo que podemos sostener la teoría propuesta por Julio Cabrera en, Cine: 100 años de filosofía, en la que se afirmaba que la inmensa mayoría de los filmes se basan en cuestiones ónticas —referidas a entes—: los estados de ánimo de personas desconocidas, motivados por cuestiones de reconocimiento social, amorosas o materiales; existen muy pocas películas que podamos clasificar dentro del término ontológico, donde esa preocupación presente en los personajes se manifiesta sin ningún motivo aparente y, en cierto sentido, por todo en general; son personas de una sensibilidad extraordinaria cuya vida se fundamenta en un desasosiego primordial a causa del cuestionamiento constante sobre las implicaciones de su ser con respecto al mundo en el que habita. El acercamiento idiosincrático que sigue Malick en su última película busca profundizar en esta visión existencial del personaje que habita en un plano ontológico construido sobre tres pilares concretos que suponen la base fundacional de su realidad: el éxito, el dinero y la felicidad inalcanzable. Podemos atender a esta relación desde cuatro perspectivas diferentes, correspondientes a los cuatro protagonistas sobre los que se construye el argumento y que, de algún modo, trazarán una línea de actuación gravitacional en torno a Faye, el personaje interpretado por Rooney Mara. Malick retoma —parcialmente— la innominación como forma de acentuación de los sentimientos. Pese a que los protagonistas sí se presentan con un nombre propio, éste funciona como simple recurso anecdótico, ya que no se utiliza como forma de interactuación, sino como mero etiquetado introductorio. El individuo no es tan importante como el conjunto que representa, los personajes son simples estandartes de una idea, por ello se mezclan actores interpretando a personajes ficticios, actores que dan vida a actores indeterminados o músicos interpretándose a sí mismos —o a una versión esencializada de sí mismos—.

por Emilio M. Luna / 7/26/2018

Crítica: Song to song

por Emilio M. Luna | 7/26/2018

Al servicio secreto de su majestad.

Crítica ★★★★ de Atómica (Atomic Blonde, David Leitch, Estados Unidos, 2017).

Convertida en pocos años en todo un título de culto para los amantes del cine de acción más estiloso y gamberro, John Wick (Chad Stahelski, David Leitch, 2014) llegó a nuestras vidas sin grandes alardes. 20 millones de presupuesto y una estrella que no pasaba por su mejor época, Keanu Reeves, fueron las armas de una historia tan sencilla como funcional: la de un letal asesino a sueldo que se cobra una sangrienta venganza contra los gángsters que mataron a su perro. El éxito de la ecuación fue tal que Reeves hoy vive una segunda juventud como actor, repitiendo rol en John Wick: Pacto de sangre (2017), la inevitable secuela que dirigió, esta vez en solitario, Stahleski, aún con mejores resultados comerciales y críticos. Por su parte, el codirector de la primera cinta, David Leitch, todo un especialista en escenas de acción, tampoco parece resignado a dormirse en los laureles y se ha lanzado a la dirección en solitario con otro producto, Atómica (2017), donde repite gran parte del equipo creativo de John Wick y que, decididamente, sigue los mismos patrones de aquella para volver a dar en la diana. La novedad radica en que, en esta ocasión, la estrella sobre la que gira todo el espectáculo es una mujer, la imponente Charlize Theron, reconvertida aquí en esa heroína de acción con la que muchos soñábamos desde que la disfrutamos como esa Emperatriz Furiosa capaz de eclipsar al auténtico protagonista de la magna Mad Max: Furia en la carretera (George Miller, 2015) y, en menor medida, como la reciente villana de Fast & Furious 8 (F. Gary Gray, 2016), donde, en honor a la verdad, estuvo un tanto desaprovechada a la hora de ser parte activa de los momentos más vertiginosos. Theron obtiene, al fin, ese vehículo para su absoluto lucimiento (físico e interpretativo, que para eso es una de las actrices más bellas de la meca del cine y tiene en su haber un Óscar) sobre el que se pueda edificar una nueva franquicia.

Adaptación de la novela gráfica de Antony Johnston La ciudad más fría, la historia nos sitúa en el Berlín de 1989, con el desplome del comunismo y la caída de su muro como telón de fondo. Hasta esa ciudad llega la agente del MI6 (Servicio de Inteligencia Secreto del Reino Unido) Lorraine Broughton, con la misión de hacerse con una importante lista que incluye los nombres de todos los espías encubiertos de Berlín y hacerla llegar a Occidente, enfrentándose a una peligrosa maraña de traiciones, agentes dobles (y triples) y asesinos que no pararán hasta acabar con su vida y arrebatarle tan valiosa información. El relato está contado a modo de flashbacks desde un despacho en el que la protagonista es interrogada por sus superiores y la CIA sobre ese trabajo que no ha salido como se esperaba, haciendo que el relato acabe resultando un tanto enrevesado y con demasiados giros argumentales que pueden dificultar su seguimiento, sobre todo en un tramo final que busca el factor sorpresa a toda costa. Atómica es una suerte de puesta al día de aquellos thrillers de espionaje que hicieron furor en los 60 y 70, con todos los lugares comunes y clichés (ese mcguffin por el que todos matan) habituales del género pasados por el tamiz de la acción más vibrante, esa que ha encontrado ilustres abanderados en héroes como el Ethan Hunt de Misión imposible o en Jason Bourne. Leitch sustituye el blanco y negro de las viñetas del cómic para llenar la pantalla de color y luces de neón (la sombra de Nicolas Winding Refn es alargada), imprimiéndole a su obra una estética ochentera de lo más atractiva, aquella que también derrochaba John Wick. Pocas veces un actor ha significado tanto para su película como Charlize Theron para Atómica, auténtico animal cinematográfico que, por sí solo, es el mayor reclamo y principal artífice de que todo lo que rodea a su figura sea tomado poco menos que como mero ornamento. Ya sea desnuda y amoratada, sumergida en una bañera llena de cubitos de hielo; con peluca rubia o cabello oscuro; luciendo lencería fina mientras pega micrófonos a lo largo de su cuerpo, o subida sobre enormes zapatos de tacón rojo que no duda en utilizar como infalible arma de matar, Theron desborda magnetismo, carisma y sensualidad, consiguiendo que la feminidad no vaya reñida con la dureza y frialdad de su personaje.

por Emilio M. Luna / 8/07/2017

Crítica: Atomic Blonde

por Emilio M. Luna | 8/07/2017

Karlovy Vary se despide de Jan Němec

Programa competitivo de la 51ª edición del Festival de Karlovy Vary.

Tras conocer durante semanas anteriores las dos primeras retrospectivas (Otto Preminger y Las nuevas realizadoras mexicanas) que dedicará el KVIFF en su 51ª edición, hoy ha llegado el primer gran momento de esta entrega: el anuncio de las selecciones de los tres principales apartados del certamen. Una lineup que, como es habitual en la pequeña ciudad del Karlsbad, apuesta por la austeridad y un listado de apellidos de perfil bajo donde predomina la puntuación cirílica. Un hecho que es evidente en la Competición Oficial. De los doce largometrajes que lucharán por el Globo de Cristal, ocho están producidos en Europa Oriental. Una parrilla donde destacan, a priori, tres películas: el homenaje al desaparecido Jan Němec con The Wolf from Royal Vineyard Street; la nueva colaboración entre Roberto Andò y Toni Servilio en Le confessioni; y la propuesta del tándem Lacuesta-Campos, La propera pell (proyectada tanto en el Festival de Málaga y el D'A), que devuelve a España al concurso de Karlovy Vary. Hay que remontarse a 2013, con Xavier Bermúdez y El oro del tiempo, para encontrar a un cineasta de nuestro país en la lucha por el máximo galardón de este festival de Categoría A. Junto a los tres principales atractivos de la programación, se unen cineastas muy interesantes como Cătălin Mitulescu con By the rails e Ivan I. Tverdovsky, realizador ruso que obtuvo el premio East of the West hace dos años con Corrections Class. Este año, por tanto, la única representante checa correrá a cargo del citado Němec. A buen seguro que el KVIFF buscará decir adiós a uno de los grandes de su país con todos los honores. El Festival de Karlovy Vary se desarrollará del 1 al 9 de julio. El thriller bélico Anthropoid, dirigido por Sean Ellis, protagonizado por Jamie Dornan y Cillian Murphy, y rodado en la nación centrouropea en 2015, abrirá el evento.

OFFICIAL SELECTION - COMPETITION

■ Babamın Kanatları (My Father’s Wings) / Kıvanç Sezer / Turquía. 101 min / Premiere mundial.
■ Le confessioni / Roberto Andò / Italia. 103 min / Premiere internacional.
■ Dincolo de calea ferata (By the Rails) / Cătălin Mitulescu / Rumanía. 88 min / Premiere internacional.
■ Ernelláék Farkaséknál (It’s not The Time of My Life) / Szabolcs Hajdu / Hungría. 81 min / Premiere mundial.
■ Fale (Waves) / Grzegorz Zariczny / Polonia. 78 min / Premiere mundial.
■ Gleissendes Glück (Original Bliss) / Sven Taddicken / Alemania. 97 min / Premiere mundial.
■ Nočno življenje (Nightlife) / Damjan Kozole / Eslovenia. 85 min / Premiere mundial.
■ La propera pell / Isaki Lacuesta, Isa Campo / España. 103 min. Premiere internacional.
■ Učiteľka (The Teacher) / Jan Hřebejk / Eslovaquia. 102 min / Premiere mundial.
■ Vlk z Královských Vinohrad (The Wolf from Royal Vineyard Street) / Jan Němec / República Checa. 68 min / Premiere mundial.
■ We’re Still Together / Jesse Klein / Canadá. 82 min. Premiere mundial.
■ Zoologiya (Zoology) / Ivan I. Tverdovsky / Federación Rusa. 90 min / Premiere internacional.

EAST OF THE WEST - COMPETITION

10 debuts en la sección dedicada al cine eslavo, donde llaman la atención los filmes Days That Confused del estonio Triin Ruumet y House of Others del georgiano Rusudan Glurjidze. El blasón checo lo portará Jiří Sádek con Polednice.

■ Amžinai kartu / Lina Lužytė / Lituania. 88 min / Premiere mundial.
■ Dublu / Catrinel Dănăiaƫă / Rumanía. 100 min / Premiere internacional.
■ Eşik / Ayhan Salar, Erkan Tahhuşoğlu / Turquía. 83 min / Premiere mundial.
■ Home Sweet Home / Faton Bajraktari / Kosovo. 90 min / Premiere internacional.
■ Houston, imamo problem! / Žiga Virc / Eslovenia. 88 min / Premiere europea.
■ Kamper / Łukasz Grzegorzek / Polonia. 89 min / Premiere mundial.
■ Kollektor / Alexei Krasovskiy / Federación Rusa. 74 min / Premiere Internacional.
■ Luuraja ja luuletaja / Toomas Hussar / Estonia. 95 min / Premiere mundial.
■ Päevad, mis ajasid segadusse / Triin Ruumet / Estonia. 105 min / Premiere internacional.
■ Polednice / Jiří Sádek / República Checa. 90 min / Premiere internacional.
■ Skhvisi sakhli / Rusudan Glurjidze / Georgia. 103 min / Premiere mundial.
■ Tiszta szívvel / Attila Till / Hungría. 105 min / Premiere internacional.

DOCUMENTARY FILMS – COMPETITION

Representación española en el apartado documental con la presencia del último trabajo de Leire Apellaniz, El último verano, «largometraje documental que narra, en clave observacional, el periplo veraniego de un empresario de cine al aire libre que se enfrenta a la forzosa reconversión que la era digital ha impuesto a la exhibición cinematográfica». Señalar, además, la selección de una de cintas más esperadas de este año para EAM: la polaca All These Sleepless Nights, premio a la mejor dirección en Sundance 2016.

■ All These Sleepless Nights / Michał Marczak / Polonia. 100 min / Premiere europea.
■ Ama-San / Cláudia Varejão / Portugal. 113 min / Premiere europea.
■ Balad Meen? / Mohamed Siam / Egipto. 60 min / Premiere europea.
■ FC Roma / Tomáš Bojar, Rozálie Kohoutová / República Checa. 76 min / Premiere mundial.
■ LoveTrue / Alma Har’el / USA. 82 min / Premiere europea.
■ Normální autistický film / Miroslav Janek / República Checa. 90 min / Premiere mundial.
■ La permanence / Alice Diop / Francia. 96 min / Premiere internacional.
■ Rodnye / Vitaly Mansky / Alemania. 112 min / Premiere mundial.
■ Solar / Manuel Abramovich / Argentina. 75 min / Premiere internacional.
■ Tower / Keith Maitland / USA. 83 min / Premiere europea.
■ Transit Havana / Daniel Abma / Alemania. 88 min / Premiere internacional.
■ El último verano / Leire Apellaniz López / España. 93 min / Premiere europea.

por Emilio M. Luna / 6/12/2016

Programa del 51º Festival de Karlovy Vary

por Emilio M. Luna | 6/12/2016